COMIC EN BELGICA

 

Puede ver estampillas del cómic belga haciendo click aquí. Una de las tiras más famosas es “Tintín”, creada por Georges Rémi (alias Hergé). El primer número de las aventuras de Tintín apareció en de enero de 1929, como “Tintín en el país de los Soviets”. Los personajes principales de la tira son Tintín y su perrito Milú (dibujo), el capitán Haddock, Bianca Castafiore, los detectives Hernández y Fernández, el profesor Tornasol y el mayordomo Néstor. Fue publicada con mucho éxito en Francia.

 

En 1938 nace una de las más importantes publicaciones de cómic que existen: el semanario “Spirou”, que dio confianza y espacio para que muchos autores desarrollaran su estilo en sus páginas, como por ejemplo Jijé, Fournier, etc. Allí se destacaron personajes como el mismo Spirou (de Rob-Vel y Davine, en 1938), Lucky Luke (de Morris, en 1947), Gastón Lagaffe (de André Franquin, en 1957), los Schtroumpfs, más conocidos como Los Pitufos (de Pierre Culliford, “Peyo”, en 1958), Boule y Bill (de Jean Roba, en 1959), y varios más.

COMIC EN ALEMANIA

Vale señalar que los primitivos ejemplos en este país incluyen los grabados en madera de fines del siglo XV sobre temas religiosos, políticos y morales. Mucho después, resultó que Alemania tendría a uno de los pioneros del cómic, Wilhem Busch. Su estilo audaz y animado, y sus metáforas visuales, que reflejaban el movimiento y los estados psicológicos, fueron muy imitados. La más celebrada de las creaciones de Busch fue la pareja de pilluelos “Max und Moritz” (derecha); esos dos “niños terribles” del humor alemán fueron creados en el año 1865.

 

Ya por el año 1934, la tira cómica más popular fue “Vater und Sohn” (izquierda, de E. O. Plauen), que desarrollaba historias jocosas y sin palabras protagonizadas por un caballero y su travieso hijo. Puede ver sellos de estos personajes haciendo click aquí. Es importante señalar que, en la época de Hitler, se prohibió cualquier tipo de historietas, por lo que se estancó el desarrollo.

HISTORIA DEL COMIC EN ESTADOS UNIDOS

Se considera que Norteamérica es la cuna del cómic, pues allí se inició su publicación en forma masiva en los periódicos, y también se empezaron a publicar los “comics books” (revistas de comics). El origen de la historieta en los Estados Unidos está estrechamente ligado al desarrollo del periodismo moderno. La causa principal fue la lucha de poderes de Hearst y Pulitzer, dos magnates de la prensa norteamericana, en la puja por la conquista de nuevos lectores de los diarios de información. Hearst se hace a su propio equipo de dibujantes y se trae del “World” a Richard F. Outcault (1863-1928), quien es considerado el pionero de la literatura dibujada. La primera página de historietas del “World” apareció el 9 de abril de 1893, se hicieron los primeros experimentos con el color, y Outcault crea a “Yellow Kid” (el Pibe Amarillo), personaje que refleja la vida de los bajos fondos y se convierte en la principal atracción del diario (dibujo de la derecha). En 1897 produce, para el “New York Herald”, un nuevo personaje, “Buster Brown“; este nuevo pibe pertenece a la clase alta.

 

El dibujo de Rudolph Dirks “Katzenjammer kids” (izquierda), conocido como “El capitán y los pilluelos”, es considerada la primera historieta verdadera. Apareció el 12 de diciembre de 1897, y tuvo una gran aceptación del público, Dirk introdujo el uso de ovalo que encierra el diálogo, dándole más dinamismo al dibujo. Por su parte, Winsor Mc Cay (1869-1934), fue un verdadero innovador de la historieta, por su audacia en el encuadre, la utilización de diferentes planos, la belleza de los dibujos y argumentos en sus obras sobre todo “Little Nemo“, su obra más famosa. Trabajó para el “Evening telegram”. En sus inicios las tiras cómicas aparecían los domingos. En 1904 en el diario “American”, Clare Briggs, dibujó una tira diaria, cuyo protagonista era “A. Piker Clerk“, aficionado a las carreras de caballos (ésta es la pionera de las tiras diarias en blanco y negro).

 

Un ejemplo de permanencia es “Mutt y Jeff” (derecha), de Bud Fisher (1885-1954), que aparece en 1907 en el “Chronicle”, de San Francisco. Se considera la primera tira diaria publicada en forma regular, tuvo gran éxito y popularidad. Estos personajes fueron comercializados en libros, juguetes, dibujos animados, etc. Al morir Fisher, Al Smith, otro dibujente continuó la serie. George Herriman creó una serie de historietas, pero la que le dio fama, fue “Krazy Kat“, comenzó en 1910 en el “Evening Journal”, de New York, su formato fue informal, era una amalgama lírica y surrealista, con comedia, poesía y juegos de palabras, esta historieta se publicó sin interrupción hasta 1944.

 

En 1929, como un personaje secundario de la tira “Thimble Thater”, llegaría “Popeye el marino” (izquierda), creado por Elzie Segar. En la década de 1930, apareció en los Estados Unidos el “comic-book”, una publicación periódica de pequeño formato que incluía una o varias historietas completas protagonizadas por personajes fijos. La línea de los “comic-books” se inicia en 1934 con “Famous Funnies”. El “comic-book” permitió a las tiras independizarse del soporte brindado por los periódicos y abrirse a un mercado de consumidores más específico. Ese año aparecería también la tira “Flash Gordon“, de Alex Raymond.

 

Personajes que fueron famosos como dibujos animados, también tendrían su aparición en las historietas, como ser “Felix the Cat” (El gato Félix), de P. Sullivan (en 1923), “Betty Boop“, de D. Fleisher (en 1925), “Mickey Mouse” (el ratón Mickey), de Walt Disney (en 1930), “Donald Duck” (el pato Donald), también de Walt Disney (en 1934), y, finalmente, “Tom y Jerry“, de W. Hanna y J. Barbera (en 1942). En 1933, como un personaje secundario de la tira “Fritzi Ritz”, de Ernie Bushmiller, aparecería Nancy (conocida en Latinoamérica como “Periquita”), quien, a partir de 1938, sería protagonista de sus propias tiras (junto a su amigo Sluggo).

 

Poco a poco comienzan a surgir historietas de personajes comunes y corrientes que se caracterizaban por ser héroes, historietas de soldados de guerra, magos u hombres perdidos en la selva de niños y luego criados. En la época del gangsterismo era natural que el lector desease encontrar el policía astuto y duro que resuelve todas las situaciones; así nace en 1931 “Dick Tracy” (izquierda), por Chester Gould. Por otra parte, en 1935, en el “Saturday Evening Post”, aparecería por primera vez “Little Lulu” (La pequeña Lulú), de “Marge”, tira que empezó a publicarse como cómic independiente en 1944.

 

A mediados de los años ’30 surgen pequeñas compañías como All Star Comics, Action Comics, o Detective Comics. Las historias comienzan a subir de calidad. Los escritores y dibujantes adquieren un estilo característico del comic al que ahora se le llama “americano”. Surgen historias de detectives, científicos y personajes más atractivos, y con habilidades superiores a las humanas, siempre salvando al planeta o a su comunidad de una catástrofe mayor. En 1938 llega “Superman” (derecha) de Siegel y Shuster, que inaugura la moda de los “superhéroes” disfrazados, poseedores de poderes extraordinarios y dotados de una doble personalidad. Así, aparecerían también “El Fantasma” (de Falk y Moore), “Batman” (1939, de Kane), “Flash” (1940, de Gardner y Lampert), “La Mujer Maravilla” (1941, de Marston) y “Linterna Verde” (1940, de Nodell y Finger).

 

En el comic americano los superhéroes siempre se meten en grandes líos y son los únicos capaces de salvar al planeta y en ocasiones al universo, están rodeados de enemigos, locos, maníacos o con grandes complejos, pero aun así nos impresionan y envuelven en sus maravillosas historias, dibujos y aventuras sin saber que nos depara el futuro. En 1934 se crearía la serie policial “Secret Agent X-9“, escrita por Hammett y dibujada por Raymond. Por otro lado, en 1946 llegaría “Rip Kirby“, de Raymond, y, en 1950, la serie “Charlie Brown“, de Schulz, con sus personajes “Peanuts”, “Lucy”, y, sobre todo, “Snoopy” (izquierda). También aparecen historias de terror, como “Tales From The Cript“.

 

En la década del ’60 la compañía “Marvel Comics” publicaría “Los Cuatro Fantásticos” (1961, de Stan Lee y Jack Kirby), “El hombre araña” (derecha, en 1963, de Lee y Ditko), “El increíble Hulk” (1962, de Lee y Kirby) y “X-Men” (1963, también de Lee y Kirby).

 

En el año 1973 llegaría “Hagar the Horrible“, conocido aquí como “Olaf El Vikingo” (izquierda), creado por Dik Browne. Mucho más cercana en el tiempo, vale mencionar a “Sin City“, una serie de historietas creadas por Frank Miller en 1991.

La historia del cómic

Al hablar de los antecesores de la historieta, es inevitable nombrar a los antiguos egipcios, que representaban muchos de sus mitos en dibujos y jeroglíficos que realizaban sobre hojas de papiro, y también hacían murales en forma de tira, que incluían imagen y texto. Otros ejemplos son las cristaleras, el tapiz de Bayeux, las bandas que rodean las columnas romanas conmemorativas (como la Trajana o la de Marco Aurelio), los retablos medievales (con los que, mediante imágenes, se explicaban al pueblo historias, crímenes y sucesos en general), los dibujos de las civilizaciones precolombinas (como los códices, pintados por los mayas y los aztecas) e incluso las primitivas pinturas rupestres. A estos ejemplos citados se pueden agregar algunas obras pictóricas de Hyeronnimus Bosh, Brueghel o Goya, las cuales adquieren un carácter narrativo. Pero quizás los antecedentes más cercanos a la historietas sean las Aucas y Aleluyas, destinadas fundamentalmente a satisfacer las necesidades de instrucción de niños y adolescentes. Estas publicaciones, que comenzaron a editarse en Francia a partir de 1820, se caracterizaban por narrar pequeños cuentos y aventuras mediante ilustraciones, aunque, a diferencia de la historieta, los textos no se integraban orgánicamente dentro de los dibujos, sino que se adicionaban a modo de explicación complementaria al pie de los grabados. Sin embargo, la historia del cómic se relaciona más correctamente con la de la imprenta y la caricatura. La historieta (que nace casi al mismo tiempo que el cine) pronto desarrollará su particular lenguaje icónico, y las primitivas viñetas, todas del mismo tamaño y con los textos al pie o tímidamente incluidos en el dibujo, serán sustituidas por viñetas de diferentes tamaños y situación y, sobre todo, evolucionarán rápidamente los modos y alcances de los textos. Estos se incluirán, casi desde el principio, en globos o bocadillos; su particular forma, así como el tamaño y dibujo de las letras, constituyen, por sí solos, todo un modo de expresión independiente. El uso de onomatopeyas, escritas con grandes letras, ciertos símbolos ya universalmente aceptados (como una sierra cortando un tronco para indicar sueño o una bombilla que se enciende para explicar que el personaje ha tenido una idea) tienen un alcance comunicativo que difícilmente puede lograr otro medio de expresión. Inicialmente estas historietas tenían carácter cómico, de ahí el nombre: cómic-strip (tira cómica).

ilustracion vectorial

Hoy en día las ilustraciones vectorizadas son muy utilizadas en los diseños, sean web o de otro tipo. El detalle con el que las creamos es mas que nada un tema de gustos, pero nadie puede negar que pueden llegar a parecer directamente fotografías y no dibujos creados por medio de algún programa de diseño vectorial, como el Illustrator o el Freehand.
Esta increíble imagen esta disponible para descargar en Ateneu Popular, y lo mejor es que viene en el formato original, por lo cual podremos ver realmente como fue creada y utilizarlo para aprender una nueva tecnica.

El arte pop

En la segunda década del siglo XX, el artista plástico Marcel Duchamp exhibió, en distintos museos, objetos previamente fabricados, ya hechos, como si fueran auténticas obras de arte.

Entre ellas podemos citar El Portabotellas (artefacto usado para transportar botellas comprado en una tienda antes del estallido de la Primera Guerra Mundial) y Fuente (mingitorio).

Según Duchamp había que atacar el valor de la obra de arte, atacar la idea de que el arte es especialmente valioso, bajar el arte de su pedestal, atacar el status que tenia el arte para la clase alta.

Después de estas presentaciones de Duchamp y de todo el movimiento que surgió como consecuencia de su propuesta, el arte ya no volvió a ser lo que era. El argumento de Duchamp, que fue seguido por muchos artistas en el siglo XX, es que el arte tiene más relación con las intenciones del artista que con lo que pudiera hacer con sus propias manos o con lo que pensara sobre la belleza.

La obra de arte, para el artista pop es una repetición de algunas imágenes transmitidas por los medios de comunicación.

Entre sus expositores podemos citar a Andy Warhol

POP ART EN ESPAÑA

En España el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. A diferencia de los países anglosajones, el Pop-Art adquiere en España un marcado carácter social.

Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar Equipo Crónica, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Darío Villalba, Eduard Sanz, La Hermandad Pictórica, Manuel Boix, Eduardo Úrculo y al Equipo Realidad entre otros.

Tenemos que entender que el pop-art llega a los españoles como unas bases que nacen del interés que manifestaron algunos artistas extranjeros (Hamilton, Paolozzi) de la vanguardia londinense por las imágenes de los objetos de uso corriente de la civilización urbana, vehiculadas por los medios de comunicación de masas, y por su deseo de acercar el arte al gran público creando un nuevo arte popular frente al elitismo que había caracterizado hasta entonces el arte de vanguardia. A principios de los años sesenta empezaron a aparecer en España publicaciones de collages, pinturas y esculturas cuyos temas principales eran los productos tecnológicos, los automóviles, las estrellas de cine, etc., tratados con estilos que

El nacimiento del Blop Art

En el año 2000 nace en Europa el Blop Art, especialmente en Francia donde ésta evolución del Pop gana su fama y consumo masivo. El diseño gráfico, los videoclips y artes de discos son sus principales lienzos, mientras que youtube y myspace sus principales medios. El blop art recibe su nombre de la figura onomatopéyica BLOP, típica de los comics usados en explosiones de globos o gags de humor.^[

 

Pop-Art Español

En España el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. A diferencia de los países anglosajones, el Pop-Art adquiere en España un marcado carácter social.

Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar Equipo Crónica, Alfredo Alcaín, Eduardo Arroyo, Darío Villalba, Eduard Sanz, La Hermandad Pictórica, Manuel Boix, Eduardo Úrculo y al Equipo Realidad entre otros.

Tenemos que entender que el pop-art llega a los españoles como unas bases que nacen del interés que manifestaron algunos artistas extranjeros (Hamilton, Paolozzi) de la vanguardia londinense por las imágenes de los objetos de uso corriente de la civilización urbana, vehiculadas por los medios de comunicación de masas, y por su deseo de acercar el arte al gran público creando un nuevo arte popular frente al elitismo que había caracterizado hasta entonces el arte de vanguardia. A principios de los años sesenta empezaron a aparecer en España publicaciones de collages, pinturas y esculturas cuyos temas principales eran los productos tecnológicos, los automóviles, las estrellas de cine, etc., tratados con estilos que difieren de un artista a otro.

El arte pop estadounidense

Andy Warhol, figura del arte pop estadounidense, en 1977.

En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961 y arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias iniciales de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense, lo cual era importante ya que tanto los artistas como los coleccionistas estadounidenses estaban en cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de este hecho se produjo con la exposición titulada El arte pop y la tradición americana en el Milwaukee Art Center en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas (las obras de Roy Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.

Los precursores del arte pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo lo forman Andy Warhol, Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Tom Wesselmann y Claes Oldenburg. En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz, John Chamberlain, Richard Lindner y Larry Rivers. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.

Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etcétra) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y